La música en el Renacimiento
El espíritu
del renacimiento nace en Francia y se extiende hacia Italia. A partir de la
primera mitad del siglo XV se olvida el espíritu feudal. Los pintores descubren
la perspectiva, los arquitectos dejan que entre la luz en las casa, y se
construyen calles y plazas como si estuvieran pensadas por los poetas y músicos.
Los
artistas del renacimiento trabajan para ser perfectos en su ciencia.
¿Pero que renace?, Lo que se pretende renacer
es la civilización antigua después de un largo periodo de barbarie también
llamado edad media.
El hombre
vuelve a mirarse a si mismo, a la naturaleza que lo envuelve y a buscar las
fuentes de la cultura clásica.
Los
centros de producción artística ya no son los monasterios si no los círculos artísticos,
las cameranas, alrededor de las cortes de los nobles que se convierten en los
grandes centros de las artes.
La
imprenta existía desde hace medio siglo pero todavía no se había conseguido
imprimir música de buena calidad para poderla comercializar.
Va a ser
durante el año 1501 cuando se va a publicar por primera vez una colección de 94
obras polifónicas. Esta etapa va a ser muy importante en la historia de la música.
En Italia,
Francia y los Países Bajos, se publican numerosos libros de música.
Unos de
los primeros músicos del renacimiento fue Guillaume Duffay, después de él, el
siguiente gran genio de la música es Josquin des Prés. Su importancia musical a
través de los siglos es tan solo comparable con la de Mozart.
La música
que se publica es la de Josquin y la de sus contemporáneos, también sus
canciones. No son canciones como las de hoy DIA, si no canciones polifónicas y
algunas tan complejas como las misas.
Como no todo
el mundo es capaz de interpretar esta música y como a la mayoría de los
aficionados les gustaría tocar esta música, ellos solos, se publican arreglos
para laúd, o para una sola voz acompañada de laúd.
Laúd
Gracias a
la música impresa el siglo XVI es la época de la historia en la que ha habido
mas numero de buenos músicos aficionados. En las clases acomodadas, que
desgraciadamente son las únicas que pueden comprar estos bonitos y caros
libros, la música forma parte obligatoria de la cultura general. Todo el mundo
sabe cantar o tocar uno o dos instrumentos y también descifrar la música.
Cuando sus amigos vienen a cenar se les invita a formar parte de la orquesta
familiar.
Los pobres
compositores no se hacen ricos y la música no es un objeto que se venda como si
fuera un cuadro. El salario anual del músico mas grande ni siquiera iguala el
precio de una obra de un pintor ilustre.
A pesar de
esto algunos músicos se hacen famosos gracias a la edición de su música, este
es el caso de Clement Janequin, director del coro de la catedral d’Angers, quien se dio a conocer por sus numerosas canciones francesas.
Algunas son fáciles y bonitas como canciones populares y otras son verdaderas
escenas animadas a cuatro o cinco voces por ejemplo “La Guerree”.
Durante la
segunda mitad del siglo XVI los italianos dominaban el mundo artístico. El
Madrigal era sinónimo de canción a Francia. Es música de cámara, tan solo para
unos cuantos cantores e instrumentistas, todos sentados alrededor de una mesa.
No es música coral.
El mas
grande de los compositores italianos es sin lugar a dudas Claudio Monteverdi.
Su genio sobrepasa todos los modelos y hace brillar la polifonía. Va a ser al
mismo tiempo el mejor compositor tradicional y el mejor compositor de
vanguardia de su tiempo.
Los últimos
libros de Madrigales que compuso son fascinantes, algunos son cantatas y
escenas de opera.
Con el
siglo XVI la música polifónica llega a su cima, con una inaudita complejidad y
perfecta armonía. No obstante a fuerza de ir ligando las voces ya no se
entienden las palabras. Los poetas de la música tienen la impresión de cansarse
para nada.
Algunos
compositores como Josquin des Pres, Orlando de Lassus, Giovanni Palestrina,
Tomas Luis de Victoria escribieron misas y motetes que son la culminación del arte
del Renacimiento
Johann Sebastián
Bach (1685-1750), fue un músico alemán, quien fue como todos los músicos de
su tiempo, legado a los príncipes de las pequeñas cortes alemanas. Bach no pudo
imponerse como compositor ya que se le consideraba un virtuoso del órgano.
Las bases
de su técnica musical se hallan en el aprovechamiento de todos los logros
anteriores, y especialmente en el enriquecimiento de la antigua polifonía: la
fuga llega a su punto culminante.
La música en el Romanticismo
La palabra
Romántico comenzó a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los últimos
años del siglo XVII, comienza como una reacción contra el clasicismo.
Dentro de
los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente acepta si no
alienta la sobre posición de extremos opuestos: amor a la soledad del individuo
y a la vez amor al prójimo; un disfrute de lo exótico junto a una nostalgia por
lo familiar; una afición a lo novedoso y al desarrollo junto con ansia por el
pasado.
El
romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede limitarse
a solo un periodo de la historia. Por una parte, la nueva sociedad del siglo
XIX, hija de las ideas de la revolución francesa, desea liberarse del pasado y,
así, conseguir un arte que exprese el comportamiento y las ideas de su tiempo.
A medida
que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo, cada vez
mas, de la literatura en la música: en Alemania los poemas de Wolfgang Von
Goethe y Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert, Schumann,
Brahms, etc., para producir una de las manifestaciones musicales-poéticas mas
importantes de todos los tiempos, el Lied Alemán. Asimismo escritores franceses
y británicos fueron los inspiradores de diversas obras de Beethoven, Berlioz,
Verdi y otros.
El
romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la acentuación
de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llego a venerarse
a la canción popular como expresión espontánea del alma nacional.
También
aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del “colorido” sonoro, lo que permitirá enriquecer
el vocabulario musical con los medios que transformaran y ampliaran el
arte sinfónico de los tiempos modernos.
El siglo
XIX será el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifónicas, sonoras y
de virtuosismo extraordinario.
OTROS LINK DE ROMANTISISMO:
El Lied
Los rasgos
románticos comenzaron a aparecer en el Lied Alemán hacia fines del siglo XVIII.
Se desarrolla un tipo nuevo de canción, la balada (poemas largos que alternaban
la narración y el dialogo con historias llenas de aventuras). La influencia de
la balada tuvo por efecto la expansión del concepto de Lied, tanto en su forma
como la amplitud y fuerza de su contenido emocional. La parte de piano se elevo
de simple acompañamiento a una posición de acompañante de la voz. Hacia
comienzos del siglo XIX el lied, se había convertido en un vehículo apropiado
para el máximo despliegue de facultades de cualquier compositor.
El caso de
Franz Peter Schubert (1797-1828), es único en la historia de la música.
Antes de cumplir los 20 años ya había escrito 8 operas y 4 misas. Su producción
es enorme: se le conocen 1270 obras compuestas: 9 sinfonías, 22 sonatas para
piano, unas 35 obras de cámara, 6 misas, 17 obras del genero operístico y mas
de 600 Lieder.
Ludwig
Von Beethoven(1770-1827),
compositor alemán, de gran importancia en la música. Su carácter arisco e
independiente le hacia vivir replegado en si mismo su pesimismo se refleja en
el “testamento de Heiligenstadt”, Beethoven escribió música
instrumental, vocal y para el teatro, entre sus obras mas destacadas se
encuentran la Sinfonía nro 3 llamada “Heroica”, la nro 6 llamada “Pastoral”, La misa Solemnis y otras muchas obras, hasta un total aproximado de
260. Con Beethoven la música deja de ser una diversión aristocrática y se
dirige al conjunto de la humanidad.
Robert
Schumann (1810-1856), este compositor alemán fue uno de los máximos exponentes
del movimiento musical romántico del siglo XIX.
Una lesión
en la mano derecha desbarato su carrera como concertista de piano. Se dedico
entonces a la composición y a escribir sobre música.
La música
para piano de Schumann, aunque dista de ser fácil de ejecutar, jamás trata de
impresionar al oyente mediante su bravura. Su música encarna mas plenamente que
la de cualquier otro compositor, las profundidades, contradicciones y tensiones
del espíritu romántico. Sus obras para piano son colecciones de piezas cortas
en las que una pequeña idea deriva en la creación de toda la obra a través de
una sencilla organización; ejemplo de estos son: “Mariposas”, “Escenas de Niños” y “Álbum para la juventud”.
Federico
Chopin (1810-1849), compositor y pianista polaco, considerado como uno de los
mas grandes compositores de música para piano. Comenzó a estudiar piano a los 4
años. También fue precoz como compositor, donde destaco con sus piezas cortas
tales como: Mazurkas y Polonesas.
Chopin, a
cada pieza, por corta que fuera, le dedicaba extrema atención, asegurándose de
que cada nota tuviera una función y significado específicos.
Música de Camarada
Félix
Mendelssohn (1809-1847), este músico demostro ser un genio precoz, a los 16 años
Mendelssohn produjo sus primeras obras: el rondo capricioso para piano y el
octeto para doble cuarteto de cuerda, al año siguiente, “Sueño de una Noche de Verano”. La obra que contiene su famosa
marcha nupcial la compuso 17 años después.
Como
pianista y director realizo giras por Europa, sobre todo por Inglaterra.
Trabajo como director musical.
Cesar
Franck (1822-1890), compositor y organista nacido en Bélgica, donde estudio en
el conservatorio, para pasar luego al de Paris, donde realizo toda su carrera
musical.
Su obra se
caracteriza por el uso de las formas clásicas, entre ellas la sinfonía y las
sonatas. Franck fue el fundador de la música de cámara francesa moderna y su
principal obra en este terreno, es la muy conocida sonata para violín en La
mayor.
HISTORIA DLA MUSICA CLASICA
El poema Sinfónico
FRANZ LISZT.- Los preludios, poema sinfónico Nº 3
Franz
Liszt(1811-1886),
pianista y compositor de origen hungaro, fue el precursor del recital para
piano, tal como lo entendemos hoy, en el que un solo artista toca una velada
completa. Recorrió Europa en gira de conciertos y consiguió una fama sin
precedentes. Fue director musical, maestro, compositor, incluso llego a
estudiar teología.
El nombre
de poema sinfónico es significativo: estas obras son sinfonicas, pero Liszt no
las denomino sinfonías, quizás por que son breves y no están divididas en
movimientos separados en un orden convencional.
Sus mas
conocidos poemas sinfónicos son: “Orfeo”, y “Hamlet”.
Su obra
maestra, la sinfonía de “Fausto”, consta de 3 movimientos, con un final para tenor solista y coro
masculino.
La Sinfonía
Guyanés
Brahms (1833-1897), compositor de origen alemán, cuyas obras combinan lo mejor
de los estilos clásico y romántico. Brahms era especialista en el piano. Su
principal interés como compositor comenzó por concentrarse en el piano.
El
enfocaba la composición de una sinfonía con gran cuidado y reflexión. Sus sinfonías
son clásicas en varios aspectos, están expuestas de 4 movimientos.
Las sinfonías
son románticas en su lenguaje armónico y en su sonoridad orquestal, plena y
multicolor.
Héctor
Berlioz (1803-1869), compositor francés, quien a lo largo de su vida hizo
varias giras por Europa y Gran Bretaña, como director de orquesta. Fue maestro
de toda una generación de músicos y se convirtió en el primer director de
orquesta virtuoso.
Berlioz enriqueció
la música romántica con nuevos recursos de armonía, timbre, expresión y forma.
La opera en el siglo XIX
Francia
La Grand Opera
A partir
de 1820, nació un nuevo tipo de opera, destinado a atraer a los públicos
relativamente incultos que llenaban los teatros en busca de emociones y
entretenimiento. Los rasgos fundamentales de La Grand Opera quedan delineados así:
· Argumento histórico
no áulico: con fuertes vetas romántico-populares.
· Trama poli
céntrica: variedad de situaciones, e incluso de estilos.
· Grandiosidad
orquestal y coral.
· Duración de la
opera de 5 actos.
· Costumbre de
acabar el penúltimo acto con un “falso” final feliz.
· Concluir el
ultimo con el final trágico.
La Opera Comique
Este tipo
de opera, siguió su curso en Francia durante el periodo romántico, la
diferencia entre la gran opera y la opera comide fue que la segunda utilizaba
el dialogo hablado en lugar del recitativo, y en que era menos ambiciosa: exigía
menor numero de cantantes instrumentistas, y estaba escrito en un lenguaje
musical mas sencillo.
La Opera Lírica
La opera lírica,
era el tipo romántico de la opera cómica. Su atractivo principal se ejerce a través
de la melodía, su tema es el drama o las fantasías románticas.
George
Bizet (1838-1875), fue un compositor francés muy conocido por sus operas. Una
de las mas famosas es “Carmen”. Esta opera ejemplifica un rasgo que recorre todo el periodo romántico,
el del exotismo.
Italia
A pesar de
la enorme repercusión de Beethoven en la música instrumental, durante los
primeros años del siglo XIX, es la opera italiana la que domina Europa. La distinción
entre opera seria y opera buffa se mantuvo con bastante claridad hasta muy
entrado el nuevo siglo.
Dentro de
este ambiente, la figura mas resaltante es la de Giaccomo Rossini
(1792-1868).
Su fama creció
por toda Europa. En su música se fusionan la expresión lírica y la necesidad dramática,
con melodías cristalinas, una instrumentación orquestal llena de colorido y un
ritmo contagioso.
Rossini
utilizo el Bel canto para crear melodías alegres de gran brillantes y
emotividad. Algunas de sus operas mas famosa son: “El Barbero de Sevilla”, “La Cenerentola”, etc.
Uno de los
compositores italianos mas prolíficos del segundo cuarto del siglo fue Gaetano
Donizzeti (1797-1848). En general sus operas cómicas resisten mejor que las
serias, las pruebas del tiempo. El carácter rudo, primitivo e impulsivo de su música,
se adapta muy bien a la representación de situaciones cruzadas y melodramáticas,
pero sus obras resultan frustradas con harta frecuencia por la monotonía de su armonía,
su ritmo y su orquestación.
Dentro del
mismo genero, surgió en Italia otro gigante que llevo a la opera a una nueva cúspide:
Giuseppe Verdi (1813-1901). Su trayectoria constituye prácticamente la
historia de la música italiana, en la primera fase de su vida musical, se
manifiesta el don de Verdi para producir melodías conmovedoras y crear
situaciones trágicas y heroicas. En su segundo periodo produjo 2 operas de
importancia: “Macbeth” y “Luisa Miller”.
En su
tercera fase se traslada a Paris, donde compone gran cantidad de operas. Con “Aida”, cierra esta tercera fase de creatividad.
Con la famosa “Otello” abre su cuarta y ultima fase.
Verdi
transformo la opera italiana y actualmente sus operas se encuentran entre las
mas representadas en todo el mundo.
Alemania
Una
de las características del siglo XIX, fue la fuerte influencia mutua ejercida
entre la música y la literatura, y puesto que Alemania era el país en que el
romanticismo florecio con mayor intensidad, algunos de los desarrollos y
ramificaciones mas importantes de todo el movimiento se exhiben en la opera
alemana.
El
compositor mas destacado de la opera alemana y una de las figuras mas
importante en la historia de la música del siglo XIX fue Richard Wagner
(1813-1883). La importancia de este compositor es triple: llevo a su máximo la
opera romántica alemana; creo una forma nueva, el drama musical; y el lenguaje armónico
de sus ultimas obras llevo hasta el limite las tendencias románticas.
En “Tristan und Isolde”, el desarrolla un estilo
orquestalmente mas rico, melódicamente mas cromático, y logra una tensión armónica
nunca antes alcanzada en la música.
La obra de
Wagner afecto a toda la opera subsiguiente. Por encima de todo, su música se
impuso por que, era capaz de sugerir, suscitar o crear en sus oyentes un estado
total de éxtasis.
Postromanticismo
Los
finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las
ultimas etapas del romanticismo, y de la transformación del lenguaje romántico
en el nuevo lenguaje musical. Este movimiento se produjo principalmente en
Alemania. Sin embargo dos fuerzas desafiaban la posición musical en Alemania.
Una era el nacionalismo, y la otra era el surgimiento de una nueva escuela de composición
en Francia. Los últimos 30 años del siglo XIX fueron relativamente pacíficos en
Europa, el comienzo del siglo XX se caracterizo por un creciente desasosiego
social y un aumento de la tensión internacional (La Primera Guerra Mundial).
En el
reino de la música hubo tensiones e inquietudes similares, y durante estos
años, concluyo el periodo clásico-romántico.
Uno de los
rasgos característicos de este periodo en Alemania fue una resurrección del interés
por la opera sobre el cuento de hadas.
Richard
Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta alemán, y uno de los
orquestadores y polifoniotas modernos mas excepcionales. Su obra puede
dividirse en 3 periodos: en el primero creo su Sonata para violoncelo y piano.
En el
segundo periodo perfecciono el poema sinfónico y creo su famosa obra “Don Juan”, al tercer periodo pertenecen sus operas
“Salome” y “Electra”.
Historia y evolución de la música en 5 minutos
La Música en el Siglo XX
Para
comprender la música en el siglo XX, es importante acercarse primero a la del
siglo XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta corriente
supone una autentica liberación, se va a luchar por una música mas individual y
personal, saliéndose para ello de las normas establecidas, la música
impresionista pretende destacar el impacto que provoca la obra al ser
escuchada. Se aplican nuevos acordes, colores y sonoridades. En esta música el
sonido va a constituir el alma de la música.
Claudde
Debussy (1862-1918), genero ideas completamente nuevas en la forma, la orquestación
y fue uno de los renovadores mas eficaces de la historia de la música en el
mundo occidental.
A partir
de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artístico europeo, lo
mismo en arte que en música va a cambiar enormemente. Cada músico tiende a
crear su arte independiente, además los diversos estilos se Irán sucediendo a
gran velocidad.
Igor
Stravinsky (1882-1971), una de las figuras mas importantes del siglo XX. Toco en
su obra los aspectos mas variados, investigo en todos los aspectos de la música,
se subió al carro del neoclasicismo donde trata de acomodar su música a la de
la finales de barroco.
Si hay
algo que caracteriza al siglo XX es la ruptura con la tonalidad “Atonalismo”. Esta regla consiste en crear una música
completamente distinta, obviando las reglas que rigieron durante siglos de ceñirse
a una tonalidad. Primero se rompe con la armonía, luego con la melodía, el
ritmo y con todo lo establecido.
Bela
Bartok (1881-1945), músico hungaro, es uno de los músicos que mas va a influir
en la música del siglo XX. Bartok consigue unir la música moderna con la
tradicional, creando un lenguaje nuevo.
Mientras
tanto en Italia aparecen una serie de músicos que incorporan a su música,
nuevos objetos sonoros: la incorporación de ruidos. Esta corriente se llamo
Futurismo y afecto tanto a la música como a la literatura y al arte. El
futurismo pone como punto de partida el ruido, no el sonido.
En Francia
mientras tanto, surgió paralelamente el Bruitismo (del francés Bruit, ruido),
que parte de ese mismo punto.
La música después de la
Primera Guerra Mundial
Después de
la 1ra Guerra Mundial, surge una nueva actitud que domina el campo artístico en
las siguientes dos décadas. Sus características son la claridad, la objetividad
y el orden. Surge un deseo de evitar los excesos del romanticismo tardío o
postromanticismo.
Algunos de
los mas importantes músicos de esta época fueron: el músico ruso Stravinski y
el músico alemán Schoenberg.
Entre los músicos
ingleses con mas talento que surgió en la década de los 30’s se encontraba Britten, quien desarrollo su estilo, caracterizado por
un eclecticismo claro, con una técnica muy segura y expresiva.
En Estados
Unidos, los años que siguieron a la 1ra Guerra Mundial, fueron testigos de la aparición
de la primera generación de compositores nacidos en su país, entre ellos se
destacan Coppland, que recibe las influencias directas del jazz y Vareze, que
se intereso por introducir sonidos nuevos en sus composiciones.
En América
Latina, la música estuvo influenciada por la tradición cultural europea.
Fue a
finales del siglo XIX, cuando comienza a aparecer una música latinoamericana
por si misma. Casi todos los compositores latinoamericanos comenzaron como
nacionalistas y poco a poco introdujeron en su música las influencias de la música
europea.
Entre sus máximos
representantes están Villalobos, Chavez, y Ginastera.
La Música después de la
Segunda Guerra Mundial
Una de las
características de esta guerra fue la creación de 2 bloques internacionales y antagónicos,
el comunismo soviético frente al capitalismo de EE.UU.
Este
turbulento contexto histórico, tendrá gran repercusión en la actividad artística
de la post-guerra; la mas inmediata la emigración de muchos e importantes músicos
desde Europa a EE.UU. lo que convertirá a este país en el centro de la música y
del arte occidental.
La música
experimenta un desarrollo muy rápido y si en la década de los 50’s predominan solo 2 tendencias: el serialismo y la indeterminación, en
los 60, surgen el minimalistmo, la música textura, la ética, la ambiental, etc...
Por fin
una caracteristica importante del desarrollo cultural y musical a partir de la
segunda guerra mundial, será la inexistencia de una estética central, además el
desarrollo de estas culturas no comunes propiciara a un desarrollo
individualista y a la desconexión total.
El espíritu
composional de la post-guerra, supondrá un gran aislamiento entre el compositor
y el publico. Ahora todo se basa en una secuencia de proporciones melódicas, de
duración y sonoridades.
La indeterminación
es uno de los desarrollos musicales mas significativos que aparecen tras la
segunda guerra mundial, y se basa en la utilización intencionada de la
casualidad en la composición y/o interpretación. Muchos de los músicos de esta
corriente tenían la convicción de que la música carecía de propósito, de esta
forma podían crear estructuras musicales lanzando por ejemplo monedas al aire,
o utilizando las cartas de navegación de cualquier barco.
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